Lo que más me hace pensar y emociona pertenece a otra época: Raúl Díaz Reyes

0
442

¿Cómo se inició en el estudio de las artes visuales?

Fue una profesora de lengua y literatura quien me recomendó estudiar el Bachillerato de Artes. Después hice una especialización en grabado en el mismo centro, la Escuela de Artes Aplicadas nº10 de Madrid. Al acabar mis estudios, me instalé en un estudio de Madrid en el que empecé a producir mi propia obra mientras lo alternaba con algunos workshops de artistas.

 

¿Quiénes han sido y son sus influencias?

 Pues podría empezar precisamente por algunos profesores en mis inicios en las Escuela de las Artes Aplicadas. Después me han influido bastante los viajes que he hecho a través de residencias artísticas y que me han puesto en contacto con otros artistas y curadores. Las influencias actuales vienen de múltiples lugares. Quizás de un tiempo a esta parte, lo que más me hace pensar y emociona pertenece a otra época.

Por lo demás, conceptualmente estoy bastante interesado en el realismo especulativo y creo que esto se refleja en el trabajo que vengo haciendo estos últimos años.

 

¿Cómo construye su proceso creativo?

Lo hago de una forma libre, intento que cada trabajo esté conectado con el anterior a través de un lenguaje personal y, por otro lado, siempre me ha interesado explorar diferentes lenguajes y herramientas. Muy a menudo esto mismo se convierte en un propio generador de contenido.

 

Usted ha dicho que deseaba provocar acercamientos íntimos del público a su trabajo, como si fuera un lector aproximándose a un libro que pudiera tocar o descifrar. ¿Cómo logra su obra esa ambición? 

Si, creo que cuando dije eso simplemente me refería al deseo de buscar cercanía y complicidad con el espectador de la obra. Algo que cada vez es más difícil por motivos, que van desde las distracciones que nos rodean a la saturación de información que recibimos.

 

 ¿Cómo se construyó Always in Love?

Always in love es un libro de artista del año 2008, recopilaba una gran cantidad de dibujos que hacía compulsivamente en el estudio después de acabar mi formación. Un día decidí recopilarlos en un libro de artista que presenté a una conocida convocatoria en España y que me permitió hacer una pequeña edición. Muchos de esos dibujos formaron parte de primera exposición individual en Madrid en el Centro de Arte Joven.

 

¿Qué otras referencias se suman a su obra además de los elementos visuales? 

Veo mucho cine y escucho mucha música. Muchas obras están directamente enlazadas a la música que escuchaba en ese momento. A veces incluso títulos de canciones o fragmentos de las letras acaban dando titulo a las obras.

Respecto a lecturas, principalmente leo novelas y biografías.

Este año he escuchado mucho los discos Songs y Instrumentals de Adrianne Lenker, también El Hijo acaba de sacar un disco muy interesante; La Rueda del Cielo. Los clásicos brasileños me acompañan siempre; João Gilberto, Caetano Veloso, Tom Zé…

Respecto a las lecturas, acabo de terminar una novela corta; Algún día este dolor te será útil de Peter Cameron. Ahora estoy con El mono que llevamos dentro de Frans de Waal y Un día cualquiera en Nueva York de Fran Lebowitz.

 

Usted añade, como pocos artistas lo hacen, lo que se conoce por cómic underground. ¿Qué lo llevó a ello y qué encuentra en el comic para su obra?

Esta influencia del comic estaba muy presente en mi trabajo hace unos diez años cuando principalmente usaba el dibujo. No sé porque en su momento cité el undergroud, en realidad los autores que mas he leído los conocí siendo ya populares; clásicos como Kirby, Eisner, Crumb o actuales como Clowes, Ware, Tomine.

Siguiendo con aquellas influencias, también he mirado mucho la obra de Dzama o Pettibon, que siempre será uno de mis artistas favoritos, ellos a su vez estaban claramente influenciados por el mundo del comic.

Curiosamente en la ultima muestra colectiva en la que he participado, La Memoria del Agua, curada por Susanna V. Temkin en la galería Ponce+Robles incluí una instalación escultórica basada en onomatopeyas del comic vinculadas al agua.

 

Algún crítico ha dicho de su obra: uso de fenómenos nacidos en los márgenes, más allá o más acá de las tendencias dominantes. ¿esta de acuerdo y cuales serían esos fenómenos en los márgenes?

Parecen palabras del curador David Armengol. Es un poco el reconocerse en lo periférico y marginal, quizás hasta sentirse más cómodo en ese espectro.

Durante una etapa de mi carrera, realicé varios proyectos basados en temas como la Ufología; Visionarios, la Criptozologia; Sasquatch o el fenómeno del graffiti paulista; Pixaçao SP. Me han interesado siempre ciertos trabajos en los que puede aparecer por alguna grieta el sentido del humor.

A partir del año 2013 rompí un poco con mi modo de trabajar y dejé de lado este tipo de temas. Fue a raíz de una residencia de medio año en el LMCC de Nueva York. A partir de entonces mi mirada se centró más en lo físico y lo matérico.

 

Sus comienzos fueron en el grabado. ¿continua en ello?

Hace muchos años que no hago grabado y no hay un motivo particular para ello. Sin embargo, términos como negativo, matríz, relieve, impresión han seguido acompañándome en todo lo que hago.

 

¿De qué manera lo siguen acompañando? 

Son términos asociados al grabado y la estampación pero que han aparecido intermitentemente en otros lenguajes que suelo utilizar. De hecho, positivo y negativo es algo crucial en mi trabajo escultórico mas reciente.

 

¿Cuál es el lugar que ocupa en su obra el interés por la arquitectura y el diseño?

Me interesa la arquitectura, mis trabajos en torno a ella han sido bastante desenfadados, no podía serlo de otro modo. Por otra parte, también estoy formado en diseño, y siempre he pensado que ha influido positivamente en mi trabajo artístico. Me ha ayudado a ser ordenado y analítico.

 

¿Cómo decide con qué material trabajará la idea? 

Bien, antes insinuaba, que a menudo ese orden puede invertirse (el material o el lenguaje pueden determinar esa idea). Por ejemplo, el último trabajo que he producido, nace de la necesidad de usar un material mas amable, casi táctil, podríamos decir. Después, llevo un tiempo trabajando entorno a cierta geometría, en la que voy incorporando distintos elementos para generar un lenguaje autónomo y reconocible. Entonces, lo que hago es adaptar este lenguaje a diferentes materiales o técnicas.

 

Háblenos de su muestra Jardins. Para algunos críticos un cambio de rumbo en su trabajo. ¿Está de acuerdo? 

No estoy de acuerdo. Me parece aventurado sacar conclusiones como las de un “nuevo rumbo” y asumir que lo siguiente que se haga irá por esa línea. La exposición Jardins para mi es una feliz excepción, me tomé todas las licencias que quise. Llevaba años queriendo hacer una muestra en torno al jardín tropical y sucedió que acabó siendo un gran homenaje a Burle Marx, de quien aprendí mucho durante el proceso de creación a través de múltiples conversaciones con Isabella Lenzi la curadora de la exposición. Produje grandes pinturas en acuarela, collages a partir de fotografías tomadas en Rio de Janeiro donde Marx vivía y trabajaba, construí una serie de esculturas en madera que eran una suerte de maquetas de jardines e incluso trabajé con el músico Abel Hernández para crear una ambientación sonora a partir de grabaciones de sonidos recogidos en jardines brasileños y diferentes samples.

 

Usted con su galería de Madrid participó en unos talleres organizados para pequeños. ¿Cómo fue esa experiencia?

Si, creo que se refiere a un taller dirigido a niños con algunas discapacidades que tuvo lugar en Ibiza, fue una iniciativa bastante peculiar en la que participaba la celebritie, Paris Hilton. La verdad es que he participado en varios talleres con niños en España o Brasil. Me divierte mucho hacerlo. Buscar metodologías de aproximación al arte contemporáneo, tengo amigos que se dedican a ello y que me han ayudado cuando yo lo he hecho.

 

Usted, junto a otros artistas, formó parte de la muestra Procesos Visibles. ¿Cómo fue unir su obra con otros artistas y con la novedad de ser, también usado para ello, lo Telemático? 

La curadora Virginia Torrente me invitó a participar en Procesos Visibles, la iniciativa constaba de una visita virtual por el estudio del artista, y una posterior charla con la comisaria. Hablamos de un momento en el que aún había muchas restricciones por la pandemia. Era importante que se generaran este tipo de contenidos.

Fue interesante hablar con Torrente, la curadora, porque conoce muy bien mi trabajo. La charla fue muy amena, está disponible en YouTube.

 

¿Usted frecuenta las redes como Instagram, Facebook, Vimeo y otras? 

Uso Instagram, pero cada vez me interesa menos, me parecía una aplicación interesante, cuando era simple y directa. Facebook lo abro para recordar fechas de cumpleaños. Vimeo lo uso como herramienta de alojamiento más que como red en si. Uso Pinterest pero como un archivo personal donde voy guardando cosas que me interesan.

 

¿Qué aportan las ferias de arte al vinculo artista/público?

Las ferias son muy necesarias y desde luego pueden ayudar a darte a conocer, a general relaciones, etc. Pero obviamente no son el mejor lugar para apreciar las obras, que a menudo están muy descontextualizadas. Yo. siendo sincero. las disfrutaba más cuando no era profesional, no existían las redes y era una oportunidad fantástica para ver que se hacía fuera.

 

¿Cómo se involucra en el trabajo de los curadores en sus exposiciones?

Cuando coincides con un curador apasionado con su trabajo, con el que te entiendes y con el que se genera un dialogo fluido se crea un vinculo especial. Varios curadores con los que he trabajado son ahora buenos amigos.

 

Hay quienes opinan que las subastas legitiman obras menores y deforman los precios de los artistas. ¿Está de acuerdo? 

No soy especialista en ese tipo de mercado del arte, así que no estoy debidamente informado al respecto para tener una opinión.

 

¿Las galerías de arte cree usted que deberían reinventarse y así seducir al público no sólo a comprar, también a conocer artistas y no quedar reducido a un acotado círculo?

Me parece que las galerías hacen un poco lo que pueden según los medios de que dispone cada una. La acotación del círculo respecto al público viene dada por sistemas que apenas se preocupan por la educación y la cultura. Hablo de mi país al menos.

Respecto a conocer artistas, no lo sé. Si me gustaría ver mas galerías trabajando con artistas de diferentes generaciones.

 

¿En qué proyecto se encuentra?

Acabo de regresar del Textiel Museum de Tilburgo, donde he estado produciendo unas obras junto a la artista brasileña Ana Mazzei para un proyecto que estamos desarrollando. Además, sigo preparando obras para las galerías con las que trabajo.