- ¿Qué la aproximó al arte?
Crecí en Chicago, y los museos, particularmente los museos de arte, fueron siempre una gran parte de mi vida. Después de trabajar muchos años en la frontera de México y los Estados Unidos en el sector social, principalmente con refugiados y migrantes, comencé a ayudar a artistas contemporáneos que estaban haciendo piezas con temas fronterizos. Me enamoré del proceso y con la idea de usar el arte como catalizador para hacer preguntas más grandes sobre la vida.
- ¿Qué tanto, desde sus comienzos, varió la relación artistas y galerías; artistas y museos?
Creo que con el tiempo estamos viendo una mayor variedad de plataformas para todo tipo de arte, desde galerías comerciales hasta centros comunitarios, desde grandes museos hasta espacios emergentes. Esta variedad en la forma en que el arte se experimenta y se encuentra es un desarrollo positivo en mi opinión, el arte juega un papel activo en muchos sectores de la vida contemporánea.
- ¿Hay quienes sostienen que con el tiempo una tableta, un Smartphone, se convertirán en salas de arte?
Es cierto que el arte se puede compartir en los formatos electrónicos; el internet ha sido una fuerza democratizadora para compartir, difundir y vender trabajo creativo. Pero creo que siempre existirá el deseo de un encuentro más dimensional y auténtico con el arte. Y, además, existe el deseo de experimentar el arte en relación con los demás, como sucede en una visita a un museo, o con el arte en espacios públicos. El internet es una plataforma más para compartir el arte, pero no eclipsará a otras plataformas pronto.
- Se cree que los museos tienen que saber comunicarse a través de un ordenador o un smartphone; de lo contrario perderán capacidad de relacionarse con gran parte de su entorno.
Creo que hay dos argumentos convincentes sobre la relación de los museos y la tecnología: el primero es que los museos deben mantenerse actualizados con los avances tecnológicos, incorporarlos a sus espacios y utilizarlos en la promoción de sus exposiciones y eventos. El otro argumento es que tal vez los museos pueden ser un oasis de la corriente omnipresente de imágenes e información a la que estamos sujetos en nuestra vida diaria. Aunque no soy un extremista para ninguno de los dos puntos de vista, tiendo a creer en la última posición: quiero ingresar a un museo para tener un encuentro real, cara a cara, con el arte y con los demás, y espero que las personas que vienen al Rubin Center encuentra ese tipo de encuentro.
- ¿Las casa de subastas han desfigurado de alguna manera el valor de las obras?
Creo que la parte superior del mercado del arte crea una gran distorsión en el valor de la obra de arte, y las razones del alto precio de muchas obras de arte pueden ser confusas para la mayoria de la gente. Pero de alguna manera esto siempre ha sido así, con las personas e instituciones más ricas comprando o encargando obras de arte que están fuera del alcance del público en general. Me gusta pensar más sobre la economía del arte en general, sobre apoyar a los artistas no tan famosos que uno encuentra en su propia ciudad o en sus viajes, y pensar en cómo todos nosotros podemos tener un poco más de arte en nuestras vidas.
- ¿Muchos artistas se quejan de que la presencia de ellos en ferias se ve manipulada por intereses ajenos al arte?
Por supuesto, las ferias de arte son principalmente actividades comerciales y los artistas no deberían sorprenderse al descubrir que son intereses del mercado lo que allí sucede. Pretender lo contrario es ignorar la función de la feria.
- ¿Los museos se han convertido como una suerte de contención para los artistas que, por diferentes motivos se ven imposibilitados de entrar en los grandes circuitos?
Trabajo en una institución pequeña que no recolecta arte (tipo kunsthall) y creo que los museos juegan un papel muy importante en conectar artistas con audiencias. Los museos más grandes pueden ser elitistas o excluyentes, pero creo que es importante tanto para los artistas como para el público buscar instituciones más pequeñas, no solo en las grandes ciudades, sino en comunidades de todo tipo. Estos museos a menudo pueden mostrar una mayor variedad de artistas y generar conexiones más interesantes y auténticas entre el público, el artista y las obras de arte.
- ¿Cuál es la actitud de los museos frente a estos nuevos actores: casas de subastas, ferias, redes sociales?
Ellos tienen su rol, en mi propia práctica es mucho más probable que trabaje directamente con artistas en la creación de trabajos nuevos, a menudo específicos del sitio, o que colabore con artistas para mostrar el trabajo más nuevo en sus propias colecciones. Al igual que muchos otros, visito las ferias de arte para ver una gran cantidad de arte / artistas a la vez, pero no son una herramienta importante en mis prácticas curatoriales. Las redes sociales (conocer a nuevos artistas a través de amigos que son curadores o artistas) son una gran herramienta. Es estupendo vivir en un momento en el que podemos estar al día con las actividades artísticas de nuestros conocidos y más allá.
- Usted ha tenido una gran actividad en El Paso, un lugar conflictivo, acercando el arte a distintos colectivos que tienen mayor o menor exposición. ¿Qué conclusión saca con CONECTARTE? ¿Funcionó y funciona?
CONECTARTE fue una seria de actividades en collaboracion con miembros de colectivos artisticos de Ciudad Juárez, y colegas de las instituciones de la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez y Colegio de la Frontera Norte, Juárez. Agrego una descripción de los dos eventos:
En abril de 2011 se realizó el foro Conectarte, 10 años de Colectivos y Comunidad en Juárez, auspiciado por el Instituto de Arquitectura, Diseño y Arte (IADA) de la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez. con la presencia de 21 colectivos que realizan trabajos artísticos en diferentes disciplinas e intervienen en las calles y diversas comunidades de la ciudad.
El orador principal de este primer evento fue David Flores, fundador del colectivo Resizte en Ciudad Juárez. Presentó una historia de los colectivos de arte en la ciudad, a partir de más de una década de experiencia con artistas jóvenes en la frontera, en particular los que provienen del arte callejero, el graffiti y los movimientos murales.
Para registrarse en la conferencia, los colectivos tenían que completar una breve encuesta que incluía información sobre su membresía, la ubicación de sus actividades dentro de la ciudad, los tipos de actividades que realizaban los colectivos, las fuentes de financiamiento y las preocupaciones principales. La conferencia comenzó con un discurso inaugural realizado por David Flores, que analizó la historia de los colectivos en Juárez en los últimos 10 años. El segundo día de la conferencia incluyó presentaciones de colectivos participantes donde compartieron brevemente la historia de su propio trabajo a través de palabras e imágenes. El equipo de trabajo de Conectarte presentó los resultados de la encuesta a los artistas participantes, y además dirigió una actividad interactiva en la que los colectivos identificaron áreas en la ciudad en la que vivían, realizaron actividades o tuvieron obras de arte públicas. Terminó en una serie de discusiones en grupos pequeños sobre temas que incluyeron financiamiento, talleres educativos, resolución de conflictos, desarrollo profesional y espacios artísticos.
Conectarte 2012: Arte en Diálogo con la Ciudad reunió de nuevo a artistas, colectivos, promotores culturales y teóricos, y se realizó en el Colegio de la Frontera Norte (COLEF) en Ciudad Juárez, México, el 20 de abril y 21, 2012.
El evento fue organizado por COLEF, el Rubin Center en UTEP y el IADA en UACJ, con el objetivo de reunir colectivos artísticos, promotores culturales y artistas de todo Juárez para resaltar la diversidad de actividades y compartir experiencias en común.
El evento incluyó talleres específicos para el tema realizados por artistas locales y académicos, presentaciones de Pecha Kucha por colectivos de artistas participantes, un panel de discusión sobre el estado de las prácticas artísticas colectivas en Juárez contemporáneo, mesas redondas, un plenario y mesas de clausura.
Hubo dos invitados especiales invitados a ser oradores principales en este evento Cynthia Lawson Jaramillo de Parson School of Design que presentó «En y de las ciudades: Proyectos en el espacio público», y Benjamín González Pérez, del Faro de Oriente, Ciudad de México con «Espacios Artísticos Alternativos de América Latina».
El equipo organizador de Conectarte continuó trabajando con este material durante todo el año, presentando los resultados del evento en una conferencia académica en el Colegio de la Frontera Norte (COLEF) y publicando un artículo posterior con la misma organización. También continuaron estableciendo relaciones informales con artistas participantes asistiendo a eventos artísticos y culturales organizados por una gran variedad de colectivos, a través de la participación organizada en marchas y protestas contra la violencia, organizando una exposición de obras de arte por los colectivos durante el festival Chalk the Block de El Paso en octubre y al comenzar a investigar y escribir sobre los colectivos, haciendo una serie de entrevistas cualitativas en el proceso. Los propios colectivos siguieron creando arte, interactuando con sus comunidades, organizando y promoviendo eventos culturales para personas de todas las edades y creando redes informales entre artistas locales y nacionales.
- Usted hace mención de exposiciones con componentes tanto específicos del sitio como transfronterizos. ¿Puede hablarnos más en profundidad del proyecto IMPALA?
Proyecto Impala es un proyecto aparte, fundado por Alejandro Morales. Formo parte de su consejo, pero no es mi proyecto.
El Centro Rubin se ubica en el epicentro de las Américas. Trabajamos en estrecha colaboración con artistas visitantes de todo el mundo y con socios locales de El Paso y Juárez para utilizar el arte contemporáneo como plataforma para entender nuestro lugar especial en la frontera. Las instituciones asociadas en Juárez han incluido el Museo de Arte INBA de Ciudad Juárez, el Colegio de la Frontera Norte, Proyectos Impala, Juárez Contemporáneo, el Consulado de los Estados Unidos en Juárez y la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez, particularmente a través de su Instituto de Arte, Diseño y Arquitectura (IADA). A continuación puede encontrar una selección de proyectos anteriores que han tenido presencia en ambos lados de la frontera.
- ¿Cree usted que hay una función social y hasta política del arte contemporáneo, en esa coyuntura tan sensible como son las fronteras?
Absolutamente. El arte tiene una forma de humanizar los problemas y nos permite acercarnos, hacer preguntas, iniciar conversaciones. No todo el arte es o debe ser de naturaleza política o social, pero el arte tiene un papel especial que desempeñar en esos campos.
- ¿El arte conceptual está dejando obras importantes o pasará sin pena ni gloria?
Por supuesto, el arte conceptual es una parte importante de la práctica artística contemporánea. Tiene un papel poderoso que desempeñar al provocarnos a cuestionar el mundo que nos rodea y comprometernos con los aspectos más completos de nuestra humanidad. Tiene un papel particularmente importante para artistas y museos, ya que muchos artistas conceptuales nos piden que cuestionemos la verdadera razón de la práctica artística y los museos como instituciones. Como cualquier tipo de arte, hay buenos ejemplos y malos ejemplos, pero simplemente no puedes entender la práctica del arte contemporáneo sin interactuar con los mejores artistas conceptuales.
- Los asistentes a galerías, museos, ferias ¿leen las críticas en los diarios antes o después de ir a una exposición?
No puedo hablar por los demás, pero trato de leer todo lo que pueda sobre una exposición a la que voy o a la que he asistido. Lamento que no haya más crítica de arte o una escritura de arte realmente buena e informada, pero cuando encuentro algo que tiene cierta profundidad le presto mucha atención.
- ¿Qué sumaron los curadores al mundo del arte?
En mi opinión, un buen conservador puede crear un puente entre el artista y la audiencia, brindando contexto, ayudando a hacer conexiones tanto dentro del mundo del arte como en el mundo en general. En mi propia práctica, mi relación y comprensión de nuestra audiencia aquí en el Rubin Center es tan importante como mi relación y comprensión del arte expuesto. En mi opinión, ambos son elementos esenciales para una práctica curatorial comprometida y relevante.
- ¿Se le ha planteado contradicciones entre su sensibilidad y las decisiones prácticas que debe tomar ante la elección de una artista para una muestra?
El dinero y el tiempo son recursos finitos para nosotros y para otros. Somos un personal muy pequeño, y trabajamos duro para recaudar fondos para las exposiciones y artistas a los que aspiramos, pero trabajamos en el mundo real y tomamos decisiones todo el tiempo sobre lo que es posible dadas esas limitaciones. Afortunadamente, trabajo en una institución que brinda a nuestro personal una gran libertad para elaborar una agenda creativa y no estoy limitada por fuerzas institucionales distintas a las mencionadas anteriormente.
- ¿Muchos críticos acusan a Duchamp, al Popart como iniciadores de un facilismo, hasta de gran frivolidad?
Decir eso es no entender el contexto político y social en el que trabajaban estos artistas. La Fuente de Duchamp en 1917 significó un cambio importante en la práctica artística del siglo XX en la que la idea de la obra de arte era más importante que la artesanía. Las primeras imágenes pop de Warhols fueron una respuesta a un paisaje visual que estaba cambiando rápidamente con el advenimiento de la televisión y las imágenes comerciales ampliamente difundidas en los espacios públicos. Estos artistas estaban hablando de maneras muy específicas, relevantes y provocativas para su mundo cambiante. No encuentro eso remotamente frívolo.
- ¿Usted convocaría a un artista que sube sus obras a Instagram aunque no lo conozca personalmente?
No tengo nada en contra de Instagram, pero necesitaría saber más sobre un artista y su trayectoria que unas pocas imágenes subidas a las redes sociales. Una vez más, somos una institución pequeña y conocemos a todos los artistas con los que trabajamos. Comprender al artista, su trabajo anterior, su proceso, sus intereses y sus propuestas es importante para nosotros y, a su vez, para nuestra audiencia.
- ¿Ve usted que se discuta y cuestione el arte a nivel de artistas, galerías, museos como sucedió en décadas pasadas?
El arte sigue siendo importante hoy. Nos bombardean con imágenes en cada momento de nuestras vidas, desde pantallas grandes y pequeñas. Aislar las prácticas artísticas de esta conversación más amplia, mirando seriamente al artista y su trabajo en el contexto social, político y cultural en el que operan, conectar audiencias a través de obras de arte que tienen el poder de hablar y generar conversaciones es tan importante ahora como siempre, quizás más importante que nunca.
