- Su formación posee dos culturas fuertes en tradición, la inglesa y la francesa. Hasta qué punto influyen en su trabajo de artista visual.
Más que educada en una tradición fui educada en dos lenguas y culturas, la inglesa y la francesa. Fueron los poetas y los escritores ingleses y franceses los que dejaron en mi una huella más profunda. Sin embargo todas los pueblos tienen tradición, no son fuertes ni débiles, todas por igual son portadoras de sabiduría. Todos los pueblos veneran a sus antepasados, la voz de sus ancestros y todos merecen el mismo respeto. Todas las culturas poseen conocimiento y sabiduría, belleza y resplandor. Me conmueve tanto un paisaje de Turner como la poética del pueblo inuit que ve en el blancor de la nieve todos los colores de la imaginación. Me emocionan las pinturas de los impresionistas tanto como las arpilleras de Violeta Parra.
- Usted ha dicho: Mi acercamiento es la visión, el desafío de lo real desde la construcción de otro imaginario del mundo. ¿Sigue siendo así?
Es la reformulación de lo simbólico, el adentrarse en los territorios de lo misterioso, el desafío permanente de la imaginación.
- En otra ocasión también ha dicho: Pongo color donde está lo sagrado, pigmento donde resucitará la ceniza. Esta frase vislumbra una concepción de la creación donde un elemento, hoy cuestionado: Lo Sagrado, tiene protagonismo en su obra. Lejos de la idea de desacralización que hoy existe. ¿Mantiene esa impronta en su trabajo?
Lo sagrado en relación a lo que merece ser venerado. Hablo más bien de la delicadeza humana que respeta todo aquello que no ha de ser profanado por lo banal y lo decorativo.
- No inculcar la poesía empobrece a una nación. ¿Las artes visuales pueden ser un vehículo para inculcar, para difundir poesía?
En todo arte visual hay una poética. Todo arte es portador de una súbita emoción que está en dialogo con la poesía. No creo que la poesía deba ser difundida, sino vivida. Ha de habitar el alma del pueblo y el pueblo ha de habitar el alma de la poesía. Ha de ser parte de la experiencia vital del pueblo en busca de más elevados designios.
- Usted reside en Madrid. ¿Desde su lugar como artista plástica ¿qué opinión tiene de ARCO, la feria más difundida de la lengua castellana?
ARCO es esencialmente una feria de carácter comercial. Sin embargo siempre hay propuestas interesantes. De todas las ediciones, la dedicada al arte de Finlandia fue una de las que más me interesó. Los artistas que participaron en ella exploraban el arte primitivo, y sus obras tenían una gran fuerza vital.
- ¿Frecuenta usted las ferias de artes visuales dentro y fuera de Madrid?
Si coincide con algún viaje las visito, pero no suelo hacerlo a propósito, tengo con el arte una relación más íntima. No me interesa el turismo artístico.
- ¿Son las ferias una alternativa adecuada para un pintor o sólo es una suerte de Gran Mercado?
Nunca he reflexionado sobre ello, pero supongo que participar en una feria si ayuda al artista, pero lo que más ayuda al artista, creo yo, es mantenerse fiel a su propio proyecto creativo. No renunciar a sus sueños.
- Usted cita una frase del gran poeta Antonio Gamoneda quien dice que: la poesía no tiene género. ¿Las artes plásticas tampoco?
Lo que dice Gamoneda es que la poesía es un estado de la conciencia que puede expresarse a través de muchos lenguajes creativos, el arte es uno de ellos.
- ¿Qué futuro le ve usted a las galerías? ¿Acabarán siendo una
herramienta obsoleta?
Creo que no. El artista necesita exponer su obra y la galería es buen vehículo para hacerlo.
- ¿Qué tanto influyó en su obra la ciudad de Concepción, en su Chile natal, a la que usted definió como el lugar donde: Llueve, y cuando deja de llover vuelve a llover eternamente?
Concepción es el hogar, allí se fundó mi conciencia. Gaston Bachelard dice que el poeta es alguien que regresa al hogar de su infancia, pero no al hogar habitado por los recuerdos sino por los sueños que allí tuvo. Como artista, como poeta, siempre regreso al lugar de los sueños. La tierra de mis antepasados no influye, es algo más profundo, existe en mi como yo existo en ella.
- Hay quienes sostienen que la sociedad, en general, está pasando por una decadencia extrema. ¿Es visible a su entender esa decadencia en las obras de los artistas o en general la frivolidad logró vencer como tema en las obras?
No creo que la sociedad este atravesando una decadencia extrema. Yo pienso que la apelación a la decadencia es una visión romántica de la historia que olvida los conflictos reales de la humanidad aún en lucha por la justicia, la universalización de los derechos humanos, entre tantos desafíos que quedan por conquistar para hacer de este mundo un lugar amable y digno para todos los seres que la habitan. Respecto a la frivolidad en el arte, pienso que hay artistas que están comprometidos con su tiempo y los que son condescendientes con el mercado. Gran parte del arte que apoya el mercado y el relato que lo acompaña, tiende a una banalización del arte. Me parece que el relato de la decadencia y la frivolidad es un relato del mercado, para debilitar el carácter lúcido, desobediente e iluminador del arte, que representa una amenaza para sus intereses.
- ¿Aceptaría que su obra se venda en casas de subastas?
No depende de uno. Nunca he pensado en ello, una vez que la obra se ha vendido, es el comprador el que decide llevarla o no a una subasta.
- Las riendas del poder estético, que durante décadas habían cambiado de manos entre críticos, curadores y diversos intereses adinerados, ahora pertenecían únicamente a la clase de coleccionista global. ¿Lo cree así?
El arte en manos de los mercaderes se está convirtiendo en un medio de inversión de las grandes fortunas y no en un proceso de conocimiento y gozo para el pueblo. De alguna forma el sistema está profanando la belleza y lo sublime del arte.
- ¿Qué ha dejado la Modernidad?
La modernidad nos ha dejado la tensión permanente entre el pasado y el porvenir. El desafío de atreverse a explorar nuevos caminos. La conquista de una libertad creativa.
- También hace uso de Instagram. ¿Le es una herramienta útil?
El uso de las redes sociales es casi un imperativo del mundo actual. Pero no siempre ha de buscarse la rentabilidad, puede ser también un medio para dialogar con la multitud invisible.
- Se dice que: Si no eres un entusiasta seguidor de las tendencias del mundo del arte, es posible que no tengas idea. ¿Siente que se ha impuesto algo así?
Nunca me han interesado las afirmaciones tajantes en materia de arte, el artista está siempre, como dije antes, en un dialogo con la tradición y el porvenir. Entiendo a la creación como un proceso en constante búsqueda. Hay momentos en que el artista tiene ideas, otros en los que tiene visiones, la mayor parte del tiempo lo guía la intuición. Las ideas no surgen de las tendencias, surgen de la intimidad del creador. No obstante, el artista ha de estar también en dialogo con sus contemporáneos.
- ¿Qué peso tiene hoy el crítico de arte?
El peso que tiene hoy el crítico de arte es el mismo que tenía antes: sanciona. En este sentido me interesan más los filósofos, los que dialogan con la obra de arte y la acompañan con su sabiduría en su recorrido.
- ¿Son los curadores los verdaderos dueños de los espacios de exposición?
Los curadores son parte del engranage de los Museos, de las grandes salas de exposición que en su mayoría están haciendo de las exposiciones de arte un simulacro de cultura, un medio de publicidad del mercado. Sin embargo aún se pueden observar magníficas exposiciones de la mano de curadores honestos, y sensibles que ponen su inteligencia al servicio del arte.
- Algunos ensayistas como David Geers sostienen que: el artista ya no puede imaginar o modelar su futuro, sólo puede apaciguar el poder dominante del presente mediante la ampliación, en su obra, de un pasado rico. ¿Está de acuerdo?
Respeto la opinión de David Geers, pero al artista siempre le queda la desobediencia ante la tiranía del mercado y los poderes opresores. El arte y la poesía siempre tendrán un porvenir porque la inteligencia y la imaginación humana al servicio del bien no puede ser doblegada.
- ¿Las tecnologías han enriquecido y fundado un género dentro de las artes plásticas?
La tecnología es una herramienta más, se van sumando medios, pero lo que funda al arte es la conciencia y la imaginación. No pienso en términos de géneros ni disciplinas generalmente ligadas al orden de ciertos académicos, a los que les place clasificar el arte y la poesía como si fueran piezas de museo, fósiles para la investigación. El arte, la poesía, la música son como el alto vuelo de un ave en el espacio, el fulgor de lo vital, no son reliquias para colocar en las vitrinas del saber disciplinado y esquematizado de unos cuantos eruditos. El arte está en las plazas públicas, entre el gentío y la muchedumbre, en el aliento vital del pueblo, no en las oscuras y tristes salas de la Academia. Con relación al arte me gusta más la palabra lenguaje, como portador de conciencia e iluminación, que la palabra género.
- ¿Qué artistas plásticos le interesan hoy?
Muchos artistas me interesan, recuerdo ahora dos exposiciones visitadas en Madrid, una de Anne Marie Schneider, me conmovió su enigmática sencillez, su delicada poética que aborda sin embargo las tensiones de la vida moderna. También otra de Ree Morton ambas artistas mujeres.
- ¿En qué proyecto se encuentra actualmente?
Mi proyecto es el mismo de siempre pintar, escribir, leer.
