Ouka Leele: lo que me interesa es el arte, tener que conseguir dinero es una pesadilla

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Primero, ¿qué sucedió para que Bárbara Allende Gil de Biedma tomara el seudónimo Ouka Leele?

Buscaba un nombre tras el que ocultarme y encontré esta palabra en un dibujo de El Hortelano. Un negro cielo nocturno con estrellas cada una con su nombre como en un mapa. Una se llamaba OUKA LEELE y me encantó, le pregunté al autor si no le importaba que lo utilizara como nombre artístico y le gustó la idea. Después mi primer galerista, Albert Guspi, director del Centro Internacional de Fotografía, me empujó a usar el nombre y dejar de lado el mío de nacimiento. Me increpaba cada vez que yo decía, soy Bárbara.

 

Usted tuvo un protagonismo muy importante en lo que hoy conocemos como: La Movida Madrileña. ¿Qué ha dejado esa gran efervescencia en las artes y en la vida de España?

Ha dejado un poso importante, fue una coincidencia de esas que pasan a veces, de que en una misma época y ciudad se juntan muchas mentes creadoras. Algunos éramos conscientes de estar haciendo un nuevo movimiento artístico.

 

Usted ha dicho: poesía visual, una forma de hablar sin usar palabras. ¿De qué manera trabaja la Palabra como imagen en sus fotos?

Bueno… Yo cuento historias y filosofo, nunca pensé que podría hacerlo con la palabra y por eso filosofaba con imágenes que era lo que me resultaba más fácil e inmediato. También era lo que veía desde niña en el museo del Prado, toda una epopeya en una sola imagen. Lo que escribía me daba demasiado pudor, hasta que me atreví a enseñarlo y ví que comunicaba y mucho. También me voy descubriendo como comunicadora oral. Es fantástico. Voy abriendo puertas que cerré por alguna extraña razón. Tal vez por crecer en un ambiente en el que era mejor estar bien callada. En las imágenes podía contar cosas de manera esotérica y dejar a mi incosciente hacerse consciente.

 

¿Cómo se gestó el corte de tráfico en la Plaza Cibeles para hacer su foto Rappelle-toi Bárbara?

Fue muy fácil y fluído, supongo que por quien era el alcalde de Madrid en ese momento, Juan Barranco. Fui a hablar con él y le llevé tres manzanas de bronce ya que de oro me resultaba más difícil hacerlas. Le conté la historia de quiénes eran los leones que tiran del carro de la diosa Cibeles, Atalanta e Hipómenes. Y que yo quería contársela a los habitantes de mi ciudad y al mundo entero. Él se fascinó y ayudó todo lo que pudo y eso es muy, muy de agradecer. Me propuso cortar el tráfico, lo que me asustó bastante, la noche anterior no pude dormir de lo excitada que estaba por tanta responsabilidad pública. Y a partir de ahí empecé a buscar los personajes que formarían parte de la imagen. Modelos, ayudantes, productor, maquilladores y peluqueros, carpinteros, vestuario, etc. Además, ese día que fue un gran día, se apuntaron ayudantes espontáneos. Fue precioso, vivimos un ritual ancestral dedicado a la diosa.

 

¿Qué poetas la influyeron e influyen en su trabajo?

Me influyen pintores, poetas, literatos, filósofos, místicos, algún fotógrafo… Borges, ManRay, Odilón Redón, Juan Ramón Jiménez, Giotto, van der Weyden, Velázquez, Goya, Irving Penn, Tizziano, Hildegarda Von Bingen, Juan de la Cruz, Teresa de Jesús… Son demasiados y me fastidia nombrar a unos y que se queden fuera muchos. Llevo la historia del arte dentro de mí y sale en mis obras, como salen mis vivencias más ocultas.

 

¿Sigue aficionada a la Pseudociencia? ¿Qué peso tuvo y tiene en su obra?

Perdón, ¿qué es eso de la pseudociencia? Sólo me gusta la Ciencia Verdadera. La ciencia más sabrosa. En cuanto a lo científico, no creo en la fe, creo solo en lo empírico. Los dogmas de fe científicos no me gustan, prefiero probarlo. Pongo en duda todo y no paro de investigar, esto me mantiene viva y despierta, ávida de conocimiento, tragarme los dogmas científicos impuestos me parece mortecino. Pseudociencia supongo que es la que no tiene resultados empiricos y esa no me interesa nada. Yo no llamaría pseudociencia, por ejemplo, a una terapia que tiene resultados curativos, aunque algunos no entiendan cómo puede suceder eso porque sus estudios se han quedado parados en un punto del aprendizaje. ¿Si influye en mi obra mi visión de la Ciencia y de la ciencia?, creo que sí, supongo que sí, todo lo que yo experimento influye en mi obra. Primum non nocere.

 

¿De qué manera se dio en su obra fotográfica ser coloreada con acuarelas? ¿Pensó alguna vez que quedaría tan unida a la Movida Madrileña?

Bueno, crecí como artista en la movida, es lógico que mencione la Movida en mi currículum o se me mencione a mí en el currículum de la Movida.

 

Su exposición: A donde la luz me lleve, toma a la Asturias Rural como tema. Siguiendo su obra anterior es un viraje importante para una artista tan vinculada a la ciudad. ¿Sintió ese giro o se dio naturalmente?

La naturaleza es una constante en mí y por ende en mi obra. Esta exposición dedicada a Asturias fue un encargo que acepté muy gustosa porque me encantó el tema y porque, de hecho, pasear mi mirada por los paisajes de Asturias ha sido un placer inmenso. Soy una artista vinculada a todo, menos a la crueldad. Pero… antes de este trabajo sobre Asturias hice un proyecto terrible, dedicado a Caddy Adzuba, una periodista Congoleña que denuncia el terror de los terrores a causa de la explotación del coltán en su país. El resultado fue una película corta y una exposición terrible. Me costó mucho ese trabajo por el tema tan cruel que trata, y sí, me vinculé a la crueldad pero para denunciarla. Y claro, el recorrido asturiano después de todo aquello, fue balsámico.

 

¿Cómo se generan los temas en usted y como desarrolla ese proceso?

Los temas que toco son los temas que vivo, es todo autobiográfico. Lo que le acabo de contar lo hice porque conocí a Caddy y al escucharla quedé tocada profundamente. Por cierto la película está en Youtube y Vimeo y se puede ver, que para eso se hizo. Se busca https://www.youtube.com/watch?v=A80FDiFNsLM y ya está. La he puesto en francés v.o. y también con subtítulos en español y en inglés.

 

Décadas después de crear una de sus primeras series de fotografías: PELUQUERÍA, vuelven a ser expuestas en Loewe en la Gran Vía. ¿Qué sintió al ver ese trabajo luego del tiempo transcurrido y desde otra experiencia como artista?

Me encantó porque Loewe lo hace todo con elegancia y buen gusto, desde niña adoraba sus escaparates tan artísticos. Es una marca vinculada al arte y a la poesía.

 

Usted ha afirmado: pienso que la técnica que no conoces la aprendes mucho más fácilmente cuando tu idea te lleva a conocer esa técnica. ¿Toda técnica parte de una idea, un tema y no desde la técnica misma?

Creo firmemente en el trabajo y si el trabajo se mueve por pasión entonces aprender es fácil. Por ejemplo, soy más partidaria de coger una partitura difícil pero que te gusta mucho, que tocar partituras que no te interesan. Cuando algo te apasiona, es mucho más fácil aprender, buscas, estudias, preguntas, porque estás ante un reto verdadero. No estoy de acuerdo con lo que se hace en muchos colegios que consiste en aprender cosas, te interesen o no, y totalmente lejanas de la experiencia. Eso tiendes a olvidarlo.

 

¿Ser una autodidacta le dificultó o limitó su trabajo?

Simplemente hice lo que quise que no habría hecho metida en estudios convencionales. Autodidacta no quiere decir no estudiar o aprender, es solo que buscas tú la manera de aprender y cómo estudiar y practicar.

 

¿Podría desarrollar su idea de que: La pintura es la búsqueda de la imagen de la fotografía?

Pues no sé si esa frase es exactamente mía pero supongo a qué se refiere. Lo que yo sí he dicho es que la pintura buscaba reflejar la realidad, en una parte pequeña, claro está; la realidad no lo es todo en pintura. Y en cuanto aparece la fotografía, entonces la pintura puede por fin liberarse de la realidad y ser mucho más libre, ¡eso me encanta! Y… curiosamente aparecen los hiperrealistas. Esa liberación de la realidad es una maravilla y da lugar a todo lo que ha venido después. El cine también libera a la pintura de contar grandes historias en un solo cuadro. Son diferentes formatos para la expresión del espíritu humano. Pero diré también que para mí el tiempo no es lineal sino circular, y que Altamira, sus pinturas, están en el futuro.

 

¿Siente que el Mercado del Arte, a diferencia de la época de La Movida, tiene más presencia e influencia en los criterios y reconocimientos?

Me hace reír esta pregunta, no sé, no es lo que más me interesa, todo artista quiere poder vivir tranquilo, poder seguir creando, pagar sus deudas y comer cada día y desde luego que es agradable y reconfortante que a otros les sirva lo que haces. A mí, por lo que sea lo que me interesa es el arte, tener que conseguir dinero es una pesadilla impuesta, que te quita muchas horas de creación.

 

¿La Ferias le dieron movimiento a la difusión de  las obras de Arte?

Creo que sí, pero poco a poco a poco se fueron enfriando y te acabas sintiendo igual en una feria de coches que en una de arte. Es difícil ver muchas obras a la vez, te aturullas. La feria que más me divierte es biocultura, soy sincera.

 

¿Por qué la fotografía está siendo más expuesta y comentada que en épocas anteriores?

Porque es una hermana pequeña que se va dando a conocer, es muy joven e interesante a la vez y porque es una herramienta que ya todo el mundo usa, es un lenguaje universal gracias a los móviles.

 

¿De qué manera conjuga en su obra la tradición y lo moderno?

Como he dicho antes, todo está dentro de mí, como en un cocktail, todo se agita y mezcla y luego lo sirvo. Y como he dicho antes: el tiempo no es lineal, cuando voy al Prado, ante algunos cuadros me siento en el futuro.

 

¿Cuáles serían para usted, en su obra, los límites del Photoshop?

El photoshop es, para mí, como el laboratorio pero con mucho más detalle, puedes ocurecer o aclarar una sola pestaña. Y en cuanto a los límites, no veo límites, el único límite será el estropear una fotografía y volverla rancia u hortera o bañada en efectos técnicos nada interesantes, o que no tenga nada de contenido y se crea que lo efectillos y filtros la convierten en algo. Todo depende de lo que se quiera conseguir, si el resultado es bueno, bienvenido sea el photoshop. Ahora que si la foto tomada es para documentar una noticia o para que sea un documento fidedigno de la realidad, el photoshop ha de usarse solo como mero laboratorio de revelado de la imagen, y para conseguir que sea más fiel a la realidad. Si alguien lo quiere usar de manera artistica para hacer collages, pues muy bien. Yo, por mi parte uso cualquier herramienta a mi alcance para llegar a algo que a mí me conmueva. Y ahí el límite no sé dónde acaba. Supongo que cuando llegas a sentir que ya está la obra terminada.

 

¿Usa Instagram?

Sí, es un medio de comunicación al uso y me gusta estar conectada. Aunque no llevo mucho tiempo y estoy aprendiendo a utilizarlo.

 

¿En qué proyecto está trabajando?

En varios a la vez, por ejemplo, uno precioso que se llama Simurgh y es de diseños de alfombras. Lo estamos haciendo con el productor de alfombras, Hamid, que quiere unir lo tradicional con el arte contemporáneo. Mis alfombras se están produciendo en Nepal, Afganistán e Irán. Voy a tener un espacio en su enorme tienda en la calle Nuñez de Balboa en Madrid. Y en Enero de 2019 vamos a hacer una expo en Casa de Vacas, que será además un poco didáctica. Mostraremos todo el proceso de creación y además, tal vez, traigamos músicos de allí, poetas. Y mostraremos los diseños y vídeos de cómo se han ido haciendo. Simurgh es un pájaro que representa la divinidad, y hay treinta pájaros que  van a su encuentro y por el camino se van perdiendo, magullando y cuando consiguen llegar hasta donde se encuentra Simurgh, resulta que les muestra su propio reflejo, se ven a sí mismos unidos y se dan cuanta que se buscaban a sí mismos. Pues no lo habíamos pensado pero justo hay 30 diseños, ¡como los 30 pájaros! todos con temas florales, y uno solo que lleva un pájaro que sostiene sobre sí mismo una flor. Esta alfombra la única que tiene un pájaro es para mí Simurgh. Está siendo precioso y las personas con las que estoy trabajando me tocan en lo más profundo. También estoy haciendo algo experimental en la galería Snell del barrio de Malasaña de Madrid. Y se trata de una improvisación de pintura y piano. Yo pinto y el pianista (Jerónimo Maesso) toca el piano. Los dos partimos de cero, de la nada, del vacío. Y Por eso el espectáculo se llama “Hay que jugar al vacío”, los cudros que están saliendo de esta experiencia se venden en la galería. Estoy también haciendo el diseño de una vajilla. Para Hartcollection. Son muy pocos ejemplares, es muy exclusiva.