Leslie Moody Castro: Los grandes artistas siempre han tenido asistentes o aprendices

0
2301
  1. ¿Qué tanto es escuchado el curador independiente en el actual Mercado del Arte?

De verdad, no lo sé, y no me importa mucho. Me intereso en el público, no tanto en el mercado de arte. Me gusta colaborar con los artistas pensando en los temas realmente relevantes para el público.

Usted que es colaboradora habitual de Artforum, Flash Art International, Frieze, ArtNews y ArtCritical, con influencia en el Mercado del arte, ¿Puede desarrollar una tarea independiente?

La colaboración con estas revistas no es más un que ejercicio para mi. Me parece importante escribir sobre arte, ser critica del arte y del mundo en general. Pensar en cómo producen y trabajan los demás para realizar sus exposiciones. Cada curador tiene su propia voz y método de trabajar. Me parece interesante tratar de entenderlo.

  1. ¿Qué lugar ocupan hoy los museos dentro del Mercado del Arte?

Pienso que los museos operan en la periferia del mercado del arte. Que reaccionan a lo que sucede en el mercado, pero la mayoría son muy lentos y reaccionan muchos años después. La mayoría de los museos no están en posición de ser pro-activos, pero si reactivos, lo cual está bien. Pero los veo más como archivos de lo que sucedió.

  1. ¿Las ferias y las subastas generan un falso espejismo del estado real del arte?

Es una buena pregunta. Creo que los dos operan de manera distinta. Las subastas generan el precio para el artista y su trabajo. Las ferias muestran con mayor frecuencia y más rápido que las subastas lo que está sucediendo en la escena del arte contemporáneo internacional desde el punto de vista de las galerías y los dealers, nos proporcionan una visión del mercado actual y el trabajo que están haciendo los artistas.

  1. Si caminamos por Elizabeth Street en Nueva York veremos una tienda y desde fuera se puede ver cómo un pintor Pop (Brent Estabrook) construye su obra. Es una idea de la Galería Mugello. Coincidió con Frieze Week. En lugar de pagar un stand en la feria, alquilaron ese espacio. ¿Podemos esperar otros intentos del arte como espectáculo para atraer público, como lo puede hacer una tienda de ropa?

Me parece muy interesante y emocionante que artistas y galerías puedan experimentar con espacios alternativos. No hay por qué seguir las mismas reglas de siempre y exponer en un cubo blanco o dentro de una feria. Si podemos romper o jugar con espacios y arriesgarnos, ¿por qué no hacerlo?

  1. ¿Las tecnologías han transformado la percepción del Mercado del Arte?

Las redes sociales han cambiado el mundo del arte contemporáneo. Estamos todos más conectados. Podemos compartir información e imágenes mucho más rápido y más facilmente que en el pasado. También veo qué los artistas están involucrando a la tecnología en sus prácticas. Pero, otra vez, como no participo mucho en el mercado del arte no puedo saber bien cómo la tecnología ha cambiado la percepción del mercado.

  1. ¿En qué medida cree usted que el Street Art ayuda a vincular el arte con el público?

El Street art trae más belleza a los edificios, ciudades y calles, pero no creo que necesariamente vincule el arte con el público. Vincular el arte con el público requiere programas públicos en los cuales la gente pueda hablar de sus experiencias, compartir historias y platicar de cómo el arte los afecta en sus experiencias de vida. Vincular el arte con el público requiere más tiempo y es mucho más que ver una pared. No quiero decir que el Street Art no tenga su importancia, obviamente la tiene, y me alegra mucho ver más murales en las calles de mi colonia en México, y en otras partes de la ciudad, las cuales necesitaban un toque de belleza.

Julie Schemann directora del Young Circle de la Pinakothek der Moderne en Munich dice: El museo es propiedad del estado y no puede tomar un riesgo demasiado grande al adquirir un nuevo trabajo, por lo que, naturalmente, el artista ya debe haber tenido cierto éxito. ¿Cree usted que debe ser así? ¿No debería ser el Museo quién haga una apuesta de anticipación y así generar una inercia de interés en los demás ámbitos?

Depende del museo. Hay muchos museos en el mundo que no son del Estado. Son de universidades y pueden tomar más riesgos. O pertenecen a fundaciones, como el museo Jumex en México. Pienso que los museos del Estado son más archivos y deben coleccionar el arte relevante de una época. Pero también tenemos que pensar y entender que cada museo tiene su propia misión, visión y presupuesto. No es justo generalizar cuando hay museos tan distintos en el mundo. Tener tantos museos en el mundo, un ecosistema de museos, también es emocionante. Me gusta conocer las distintas maneras en las que los museos pueden operar y hacer su trabajo con su propia voz.

  1. Hay quienes opinan que al atribuirle un excesivo protagonismo a lo lúdico en el arte contemporáneo se corre el riesgo de ser catalogado o quedar encerrado en el concepto de frívolo. ¿Puede darse esa posibilidad?

Todas las posibilidades que existen en el mundo en general existen también en el mundo del arte. Claro que lo lúdico puede ser interpretado como frívolo, de hecho, el arte en general muchas veces es interpretado de esa forma. No estamos salvando al mundo o solucionando algo grave. Pero, en momentos muy tensos o políticamente potentes, también sirve tener arte contemporáneo, el cual se enfoca en la belleza o en lo lúdico. ¿Por qué no?

  1. El mundo del arte se ha hecho más complejo en los últimos años con el ingreso de nuevos protagonistas, los curadores, por ejemplo. ¿La crítica de arte tiene influencia en él?

Creo que el rol del curador siempre ha sido el de una voz crítica y sigue siendo así. Creo que lo que ha cambiado ahora es que hay mucho más curadores trabajando que antes. El curador también puede tener áreas distintas de enfoque, distintas maneras de trabajar, y especializaciones diferentes. Es más bien una saturación de distintas voces trabajando en el mismo campo que antes, y como yo lo veo, no tanto de nuevos protagonistas.

  1. ¿La globalización ha influido en la manera de trabajar de los artistas?

Me imagino que sí. La globalización ha influido y cambiado mucho la manera en que trabajan los artistas. Los materiales son más fáciles de encontrar y enviar entre países. Viajar es más fácil y rápido, y lo mismo el intercambio de información. Estamos muchísimo mas conectados que antes. Pero eso también depende del artista.  Conozco artistas que se desconectan por completo cuando están trabajando en el estudio y conozco a artistas que dependen del internet para sus investigaciones e imágenes. Cada artista tiene una práctica distinta. Obviamente, la globalización ha afectado de alguna manera la práctica de todos, pero cualquier persona puede decidir cuánto y cómo afecte su manera de trabajar.

  1. ¿Se aprecia un exceso de influencia de curadores y comisarios en ferias y subastas? ¿Es así o es una mirada exagerada?

Honestamente no me preocupa. Mi metodología como curadora es colaborar con el artista, y cada proyecto es moldeado por el espacio, el público y el lugar del proyecto. No creo tener un lugar de poder o importancia, sólo sé que estoy aprendiendo sobre un lugar con la gente que vive ahí. Lo más importante para mí es producir un proyecto que sea relevante para cada persona que entra al espacio, y veo el espacio como el punto de partida o el momento que todos tienen en común.

  1. ¿Son los artistas quienes siguen cambiando la manera de ver el arte o ya no son sólo ellos?

La manera de ver las cosas siempre va cambiando, seas artista o no. Es parte de la condición humana. Podemos cambiar nuestra punto de vista u opinión en cualquier momento y la vida te obliga a hacer ese cambio. Yo no veo las cosas igual a como las veía cuando tenía 20 años.

Ser artista también implica que, al madurar, tu trayectoria profesional vaya cambiando. Recientemente conocí a un artista en su estudio al que le interesa trabajar con sal como técnica, pero empezó su carrera artística en el grabado, luego cambió a la fotografía y después a instalaciónes y esculturas. Ahora está regresando a la pintura. Su trayectoria de artista tiene un vinculo muy claro si lo ves con perspectiva, pero en el momento sus cambios de técnica fueron bastantes radicales.

Yo, como curadora, también voy cambiando mucho mi perspectiva. Creo que es parte de estar vivo, de participar en el mundo y ser siempre crítico del status quo.

  1. Paul B. Preciado dijo en Documenta 2017: Nosotros, los curadores, tenemos la tarea de destruir las vitrinas. Desarrollamos un museo narrativo que cuestiona la perspectiva colonialista. ¿Está en esa dirección la curaduría o es una mirada optimista?

No pienso que sea una mirada optimista pensar en romper la perspectiva colonialista o, por lo menos, intentar hacerlo. Obviamente, la mirada colonialista está muy enraizada en el mundo. Combatir un milenio de colonialismo no significa que las cosas vayan a cambiar de la noche a la mañana. Pero sí somos capaces y sí tenemos la responsabilidad de cuestionarlo.

  1. Uno de los problemas de organizar muestras es llegar con una idea a ellas y encontrase con un presupuesto menos que escaso. ¿Cómo se resuelve?

Las soluciones siempre dependen de la muestra, en dónde se va a instalar, los recursos del lugar, etc., etc. Yo soy independiente, trabajo con instituciones, galerías o espacios experimentales a donde me invitan a trabajar. Cada lugar es muy distinto, lo mismo que cada proyecto que propongo. Hay veces que el lugar tiene los recursos y no tengo que preocuparme por ellos. Hay veces que tenemos que solicitar becas para producir la expo de nuestros sueños, y hay veces en que tengo que modificar la propuesta original. Una vez cancelé una expo y cambié la propuesta para enfocarla en la cancelación de la muestra por razones de recursos.

  1. ¿Hay, como creen algunos, mucha farsa en el arte contemporáneo?

Puede existir, y existe en cualquier negocio o industria del mundo. Obviamente, hay farsa en el mundo del arte contemporáneo, pero no como para decir que la farsa es el 100% del arte. Ser artista, galerista, curadora, escritora es un trabajo definitivamente difícil y no hay reglas que te indiquen cómo ser una parte influyente de ese mundo artístico. Estamos todos trabajando juntos para adivinar cómo ser exitoso, tampoco digo exitoso como famoso o rico. Sólo mantener una vida creativa con la cual puedas comer y pagar la renta.

  1. ¿Cómo afectan e influyen en su criterio los vaivenes políticos y sociales en el mundo de la globalización?

Depende del proyecto y las necesidades que vienen con él. Lo politico y social son siempre temas importantes, pero me interesa crear puntos de entrada con los cuales el público puede relacionarse de forma que se sienta cómodo y no criticado, juzgado o aislado. Me gusta cambiar la opinión de la gente e iluminar otras perspectivas, pero no lo puedes lograr si el público siente que estás burlándote de él o de su cultura. Es en ese momento en donde la empatía se convierte en un método para mi, para entender profundamente la comunidad y cultura con la que estoy trabajando.

A final de cuentas la colaboración que existe es un baile entre varios protagonistas. Empieza entre el artista y yo, luego entre el artista y el espacio, y entre el espacio y el público y finalmente entre el artista y el público. Es un sistema de controles y equilibrios para asegurar que estamos hablando ‘con’ el público y no ‘al’ público.

  1. Miguel Ángel Tornero, artista español, dijo que él trabajaba con asistentes, como los grandes. ¿Qué validez tienen esas obras que no son ejecutadas por el artista, sino por colaboradores, empleados? ¿Tiene más valor la idea que la ejecución? ¿Dejaron la idea y la ejecución de ir juntas?

Honestamente no me importa si el artista tiene que trabajar con alguien más para realizar y producir bien su pieza o trabajo. Los grandes artistas en toda la historia de arte siempre han tenido asistentes o aprendices. No entiendo por qué, si están siendo tratados bien y aprendiendo del maestro, tiene que ser problemático ahora.

  1. ¿En qué proyecto se encuentra actualmente?

Actualmente me encuentro en Galveston, una isla en la costa de Texas, en el Golfo de México. Soy la primera curadora invitada del Galveston Artist Residency, un programa de residencia artística. Junto con Cristobal Gracia, un artista de la ciudad de México, estamos investigando la historia de la fundación de la isla, la migración y su historia muy fuerte de traumas repetidos. La metodología que estamos usando para entrar a estos temas complicados es explorarlos a trave de una pareja de fantasmas, la cual murió en la tormenta de 1900 que destruyó la isla. La historia de la pareja es el punto de entrada a partir del cual la gente pueda empezar a pensar profundamente en los asuntos y temas difíciles. Nuestro proyecto es 100% prueba y colaboración e inauguramos a finales de agosto.

Al mismo tiempo estoy colaborando con Kristi Kongi, una pintora de Estonia para una exposición en la galería Karen Huber en Mexico a mediados de septiembre. Kristi y yo estamos pensando en una mapa conceptual de la jungla de Chiapas. La expo va a invitar al publico a caminar metafóricamente con nosotras en la selva, a tomar nuestras manos ideológicas y caminar juntas en el espacio.

Los proyectos en los cuales estoy son mucho más intimos y románticos, aunque también tienen pistas o toques de asuntos más profundos. Así es cómo veo el mundo y la manera de trabajar en un espacio con un artista.